miércoles, 31 de octubre de 2012

"Fingir" de Colectivo 96º

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

OSAMENTAS ESCÉNICAS
(A propósito de “Fingir” del Colectivo 90º)

SANTIAGO PAZOS



No es novedoso, hace mucho tiempo que dentro de la propia escena, y también en sesudos estudios de investigación, autores, directores y actores, se preguntan el porqué de su trabajo, el nivel de compromiso de su profesión con la sociedad, o el papel que debe jugar el público más allá de su tradicional posición de simples mirones. Y quizás no con esa pasión, pero sí con notable interés, muchos espectadores nos cuestionamos también esa tradicional división de roles y nos sentimos cómodos en nuestro papel de coprotagonistas.
En el caso de “Fingir”, el Colectivo 90º nos presenta el teatro al desnudo. Sin ningún tipo de trama o discurso conceptual. Nos enseña el esqueleto, la osamenta que los actores utilizan para engañar al espectador, para mostrarnos como real lo que sólo está en nuestra imaginación. Y como en un divertido juego nos descubren sus trucos y sus artimañas usándonos como cómplices imaginarios y, en cierto modo, desechables.
Sus intérpretes, Lidia González Zoilo y David Franch, son excepcionales. Con mucha naturalidad, y con una desinhibida y espontánea sencillez, enganchan al espectador desde el primer momento y no lo sueltan hasta que hacen mutis por el foro desentendiéndose de los aplausos. A ella la conocimos como Macarena Recuerda el año pasado (ver comentario en intrusosenlared) y nos sorprendió por su profesionalidad. Y en “Fingir” se nos presenta con otro registro igual de sobresaliente.
Si tienen oportunidad de verla, no se la pierdan. Perfecto broche final para el Ciclo OTNI 2012.
Salud   

domingo, 28 de octubre de 2012

"Viaxe a ningunha parte" de Sarabela Teatro

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

EL TEATRO VIVIRÁ SIEMPRE
(A propósito de “Viaxe a ningunha parte” de Sarabela Teatro)

SANTIAGO PAZOS


La gran proclama de Sarabela Teatro con el montaje de “Viaxe a ningunha parte” es que el teatro vivirá siempre. Y claro que vivirá siempre. En palabras de Juan Mayorga: “El teatro es el arte de la crítica y de la utopía. Es natural que sea temido por los enemigos de la democracia. Ha de ser, por supuesto, entretenido, pero su misión última es examinar posibilidades de la vida humana; es decir: examinar esta vida e imaginar otras formas de vivir. En particular, examinar el lenguaje que usamos e imaginar otros lenguajes posibles”. Y por estas y otras muchas razones su pervivencia estará asegurada.
Vivimos momentos, desgraciadamente, que el mundo de la cultura, algo tan consustancial a nuestra propia existencia como seres humanos, se siente obligado a reivindicarse. Y esta magnífica obra de Fernando Fernán Gómez es un buen instrumento para hacerlo. Es un acierto intelectual el de Sarabela hacer esta adaptación y un gran riesgo por el coste de su producción. No es ninguna broma mantener a ocho actores en escena con los tiempos que corren.
Es un montaje muy bien ambientado, con una escenografía inteligente y funcional, (quizás un tanto desaprovechada), y con una iluminación cálida que nos retrotrae con facilidad a los tiempos en los que se desarrolla la historia.
Por momentos alcanza cierto ritmo y agilidad, sin embargo, la falta de fluidez en los diálogos ensucia la interpretación haciéndola bastante mortecina y aburrida. No encuentran esa chispa cómica que algunas escenas exigen y necesitan para romper con el tono generalmente melancólico de la obra. Y los movimientos de los actores no parecen definidos con claridad. Además, quizás por falta de rodaje, era la segunda función que hacían con esta obra, se trabucaron bastante con el texto.
Aún así, se puede ver y, si me lo permiten, se debe ver, porque la historia lo merece y el empeño de Sarabela también. Quiero pensar que lo que vimos ayer era un ensayo general con público y que mejorará después de algunas funciones más. 
Salud   

sábado, 27 de octubre de 2012

"Acto cultural" de Grupo Actoral 80


(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

COMO UN PAVIMENTO DE HUEVOS FRESCOS
(A propósito de “Acto cultural” de Grupo Actoral 80 )

SANTIAGO PAZOS




El Grupo Actoral 80 parece ser lo que dice ser en “Acto cultural”. Una Compañía de una Asociación cultural, o de una escuela de teatro para aficionados, con unos actores aventajados que hacen su papel muy bien.
Con todos los respetos, es un tipo de teatro que a nosotros nos parece antiguo por anticuado y amanerado por exagerado en sus movimientos, gestualidad, en su manera de declamar,  y en sus dos horas de duración con descanso.
Ampuloso, pomposo, pretencioso, prosopopéyico, redundante, enfático, presuntuoso, BARROCO. Muy, pero que MUY BARROCO. Tan inmenso y exuberante como la tierra de la que proceden, Venezuela. ¿Cosas del carácter quizás?
Un ejemplo: “Tu vida es como un pavimento de huevos frescos”, dice con un lirismo transido uno de sus personajes para definir la personalidad de otro. O como un toro, diría jesulín.
No creo que esa imagen del pavimento de huevos frescos abandone mi cerebro nunca jamás, es perfecta para definir mil y una cosas. Sin ir más lejos, para un político que maneja caudales públicos.
Lo siento, no parece que nosotros sepamos “improvisar melancolías” como para saborear una obra de esta magnitud. En serio, por la parte que me toca, lo siento.
Sin duda, algo se nos escapa… Algo se me escapa…
Salud   

"Calla y come" de La Cocina




(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

UNA RELAJADA CONVERSACIÓN
(A propósito de “Calla y come” de La Cocina)

SANTIAGO PAZOS


La Cocina se presentó primero en Café con..  intentando pasar desapercibidos, con miedo a ser etiquetados, rechazando ser portadores de algún tipo de bandera que los identificara. Presentaron su propuesta contextualizándola dentro de ese proyecto que es La Fundición de Bilbao y poco más. Con sacacorchos conseguimos que explicaran algunos aspectos sobre su proceso creativo o su método de trabajo, pero siempre dejando claro que hacen teatro, sin otros calificativos, y remitiéndonos a ver la obra, el lugar y el momento en que hablan de verdad los actores.
Sin embargo nosotros necesitamos de palabras que definan lo que vemos, queremos poder poner nombre a las sensaciones que recibimos, sin ánimo de encasillar pero intentando clarificar los mensajes que recibimos.
Hacen teatro dentro del teatro (metateatro). Como en una relajada conversación, natural y cotidiana (al modo de el Proyecto Dogma), van contando al público tres maneras distintas de enfocar el acto teatral en sí mismo para acabar utilizándolo como referente de esas propuestas. El espectador cómodo y el teatro encorsetado con sus papeles bien diferenciados, el cooperativo a través de la fórmula estímulo-respuesta en el que los actores utilizan al espectador como cobaya para su interpretación, y el interactivo en el que se trastocan los espacios pasando el público, como un personaje más, a jugar un papel fundamental en el desarrollo de la obra.
Es teatro experimental. Poco a poco, sin forzar para no asustar a los más timoratos, cogen un lienzo en blanco para, dando brochazos aquí o allá y mezclando colores, ir dando forma concreta a conceptos abstractos que afectan a su trabajo como actores y al público como destinatario.
Interesante planteamiento y profundo contenido para los que nos gusta el teatro como algo más que una distracción placentera.
De las imágenes líricas con las que quisieron mostrarnos las diferencias entre esos diversos puntos de vista de hacer y ver teatro, me quedo con esa bailarina que suelta lastre sobre una mesa. Lo demás, pues bueno, bastante bien aliñado. Y las lentejas…
En definitiva, una obra muy apropiada para este ciclo OTNI (Objeto Teatral No Identificado) que se convierte en una puerta por donde entran las propuestas más frescas e innovadoras del FIOT.
Salud   

lunes, 22 de octubre de 2012

"Juicio a una zorra" de Miguel del Arco, con Carmen Machi

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

PENITENCIAS
 (A propósito de “Juicio a una zorra” de Miguel del Arco, con Carmen Machi)

SANTIAGO PAZOS


Dice Helena de Troya que hace tiempo que los dioses se aburrieron de este mundo. Y puede ser cierto, aunque el mundo no sea ni mejor ni peor que cuando se ocupaban más directamente y lo utilizaban como escenario de sus juegos y sus batallas. Lo que sí parece, por lo que vimos ayer en Carballo, es que de Carmen Machi no se olvidaron en absoluto.
Con esta Helena, Miguel del Arco confirma, siguiendo la estela de Galdós, Lorca, Gala, o en otro ámbito Almodóvar, que a las grandes mujeres las escriben mejor los hombres. En este caso cediendo la palabra a un mito legendario, un personaje muy citado como efecto colateral y poco conocido en realidad, producto del designio de los hombres y de los dioses en sus luchas de poder. Le cede las palabras y el coraje para pronunciarlas, deja que el rencor desahogue su rabia y que la leyenda tome el cuerpo de una mujer que se libera de sus miedos con valentía. Un alegato de honra muy bien escrito y estupendamente dirigido.
Y para afrontar ese reto está una Carmen Machi tremenda, sin pizca de temor al riesgo que corre, haciendo suya esa bendita penitencia. Histriónica a veces, rebelde, tierna, reflexiva u obcecada, dramática y cómica, paladea esa palabra y la modula a su antojo, bajando o subiendo el tono hasta el grito encolerizado, según le exija el texto sin un ápice de impostura. Con una bravura al estilo de Anna Magnani y haciéndose dueña del espacio desde el primer momento. Un lujo.
Los aplausos fueron largos y sentidos. Cuando uno ve a una actriz de esas características subir a un escenario y darlo todo, como ayer hizo Carmen Machi, se ríe del aburrimiento de los dioses y del dilema sobre su existencia.
Salud   

"A función do tequila" de Teatro do Morcego

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

ARQUITECTURAS TEATRALES
(A propósito de “A función do tequila” de Teatro do Morcego)

SANTIAGO PAZOS


En el fructífero Café con… que celebramos con la gente de Morcego, el director Antonio Simón expuso una teoría sobre los montajes teatrales con la que estoy plenamente de acuerdo: el espacio, el texto y la interpretación, tienen que funcionar imprescindiblemente como vasos comunicantes.
Añadiré por mi cuenta, sin extenderme mucho en este asunto, que en el teatro convencional (no entender peyorativamente) esos tres pilares se asocian buscando una armonía formal que resulte cómoda para el espectador, mientras que en el teatro experimental y otro tipo de propuestas vanguardistas tienden a disociarse formando estructuras más exigentes para el espectador.
Podemos decir entonces que la arquitectura de “A función do tequila” es un buen montaje de teatro convencional, porque aún a pesar de contar con un texto difícil, de largos parlamentos y farragoso por la cantidad de fechas y lugares que se mencionan, contiene una trama de interés histórico mezclada con grandes dosis de ficción que engancha muy bien al espectador. Si me permiten la broma, algo así como un programa de cotilleos, entre dos espías, sobre personajes de altos vuelos con traiciones y asesinatos incluidos. Sin duda, un atractivo planteamiento.
Pero si este pilar funciona bien es gracias a la interpretación excepcional de Manuel Manquiña, que da vida a un personaje poliédrico, un psicópata con sentimientos. Contenido en el tono y elegante en la forma, medido en sus gestos, con presencia y credibilidad.
Le acompañan Santiago Fernández con un logrado papel de espía americano en el que destaca esa voz entre doctoral y locutor radiofónico, y Luisa Merelas y Elina Luaces con dos pequeños pero importantes papeles que ponen la nota sensible y sentimental, con una fibra muy a flor de piel, muy sentida.
Y todo esto encaja en una escenografía del mismo director, con un tratamiento del espacio inteligente y funcional, con unas columnas torcidas muy útiles para facilitar el movimiento de los actores y parapeto perfecto para esos flashback líricos que rompen la rutina argumental, y una iluminación sugerente y equilibrada.
El uso de microfonía, justificada por el tono conversacional, le quita naturalidad y añade unos tintes de perfecto sonido cinematográfico que no me gustan especialmente, pero tampoco le resta contundencia y seriedad a esta propuesta arquitectónica que se postula como firme candidata a varios María Casares.
Salud   

domingo, 21 de octubre de 2012

"El montaplatos" de Animalario

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

CUANDO NUNCA NADIE OYE NADA
(A propósito de “El montaplatos” de Animalario)

SANTIAGO PAZOS


Como en toda disciplina artística, en el teatro también existen diversas corrientes, escuelas, movimientos. Distintas maneras de entender y de explicar el qué, el cómo, el quién y el para quién se hace. También distintas intencionalidades. Si dejamos a un lado la banalidad de cierto teatro de entretenimiento sin más pretensiones que pasar un rato distendido, lo que más caracteriza a las artes escénicas es su capacidad crítica para mostrarnos el comportamiento humano ante las múltiples circunstancias vitales que lo conforma o lo provoca. Lo puede hacer desde la abstracción o desde el realismo más cruel, desde el sarcasmo o el drama, como defensa, justificación o denuncia, pero siempre con la intención de ofrecer una mirada que rompa en mil pedazos el espejo de la apariencia. Y una vez que la función se pone en marcha puede gustar mucho o nada, a muchos o nadie, pero nada de eso restará valor al acto teatral en sí mismo. Después el espectador con todo derecho y plena libertad, asume o rechaza, aplaude o patalea, siguiendo baremos personalizados.
Lo decía muy claramente el autor de “El montaplatos” Harold Pinter:  En el teatro, la búsqueda de la verdad es la fuerza motriz, pero se trata de un objetivo huidizo, que puede surgir súbitamente, como por casualidad, por intuición, y muchas veces cuando se cree haberlo encontrado se escapa de nuestra comprensión y desaparece… Sin embargo, la verdad verdadera es que no existe tal cosa como una verdad única en el teatro. Hay muchas. Esas verdades se desafían la una a la otra, ceden una ante la otra, se reflejan, se ignoran, se retan, y son ciegas. A veces se tiene la impresión de haberla captado, pero se nos escurre de las manos y desaparece".
Por eso se me antoja que cuando Gus (Willy Toledo) exclama ese “nunca nadie oye nada” no sólo se está refiriendo a la angustia que le produce la soledad de su propio universo, también es la metáfora que refleja la frustración del autor, ¿y la súplica del ser humano en general?, en la búsqueda de una verdad que no encuentra en ninguna parte.
Pinter es un autor que disecciona a sus personajes enfrentándolos a sí mismos, haciendo que se cuestionen los motivos de su realidad más cotidiana, y como consecuencia directa su existencia. Y Animalario, por su trayectoria, es una compañía que asume retos interpretativos, que profundiza en la función que el teatro tiene, o debe tener, en nuestra sociedad más allá del simple divertimento. De ahí que no me sorprenda el montaje de esta obra.
En la representación que vimos en Carballo, la escenografía  de Beatriz San Juan te mete de lleno en el sórdido ambiente en el que se desarrollará esta comedia trágica sobre la sumisión y la rebeldía y sobre la condena de la espera permanente que se cierne sobre el hombre que no se pregunta el porqué de los acontecimientos que marcan sus impulsos vitales. Los plásticos negros que cubren las butacas invitan al espectador a sentir esa angustia y esa tensión en la que viven los dos protagonistas. Sicarios, (podrían ser cualquier otra cosa), que ven reducido su mundo a una habitación oscura y cerrada y que han perdido el control de sus actos. Acompañados por una banda sonora compuesta por los ruidos de viejas cañerías y grifos goteando, como si viviesen dentro de un vientre que no para de evacuar sus inmundicias.
Me gustó, el tono y la medida inquietante del tiempo, las frases cortadas, los silencios y las cosas que no se dicen, o las tonterías que se dicen para romper la tensa espera. Me gustó Willy Toledo, su naturalidad, su inconformismo, su tic nervioso, su manera llana de mantener una conversación a pesar de los nervios que produciría una situación tan claustrofóbica. Y no me gustó tanto la interpretación de Jesús Barranco, atenazado quizás por el reto de tener que sustituir a Alberto San Juan, y con poco tiempo de rodaje para encontrar el tono justo.
Tampoco me gustó la grandilocuencia del final, no la veo necesaria y creo que chirría y desentona con el planteamiento global de una obra que me parece, en general, una ración completa de buen teatro, de ese teatro no convencional que se hace preguntas aunque nadie las escuche ni reciban ningún tipo de respuesta.   
Salud   

jueves, 18 de octubre de 2012

RÚA DOS CONTOS


(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

A RÚA DOS CONTOS
CELSO SANMARTÍN Y TRECE MÁS

SANTIAGO PAZOS

Alfred quiso comerse al gatito del cartel 
diseñado por GENDE ESTUDIOS

La edición catorce de “A rúa dos contos” pasará a la historia como una de las peores de todas las que he visto, pero será recordada, si es que era necesario a estas alturas, por el encumbramiento definitivo de Celso Sanmartín como uno de los más grandes monologuistas cómicos que existen en Galicia, que tampoco son tantos como parece. Digamos que con los dedos de una mano…
Del resto, de los otros doce que pude ver, (me perdí “Historias para contar” de Os Magníficos por coincidir en horario infantil), hubo un poco de todo y poco bueno de verdad. Ya siento decirlo porque tengo mucho respeto y admiro a la gente que decide dedicar su esfuerzo a las artes escénicas para divertir y entretener a un público cada vez más necesitado de que le roben una sonrisa, (que de lo demás ya le están dejando desnudo otro tipo de titiriteros), pero pasaron con más pena que gloria, e incluso algún espectáculo era malo de necesidad.

Celso Sanmartín

Con “Contos que non falten”, Celso Sanmartín llenó la terraza de la Cafetería Valle-Inclán de espectadores ávidos de risas y de historias y no defraudó. Su repertorio es amplio, bebe de la tradición oral y visual, de escuchar y observar con atención todo lo que le cuentan y enseñan para transmitirlo luego con un estilo muy personal. Ingenuo, a la antigua usanza diría yo, respetuoso, escogiendo las palabras más sutiles, nada altisonante, sin edulcorantes que despisten al público. Con sencillez, una voz que acaricia las palabras, una memoria cargada de historias que se van entrelazando sin forzar y un ligero movimiento de manos y brazos para dar forma al aire que le rodea. Nada más y nada menos.

REDRUM Producciones

Empezamos con “Currículum vitae”, de Redrum Producciones, en la Vinoteca La de Bur. Preestreno o avance de un espectáculo, que aún está en fase de producción y ensayos, sobre las entrevistas de trabajo con textos de autores bien conocidos. Trabajo que está muy verde sobre todo en lo que respecta al ritmo, al tono, y a la interpretación de Guillermo Carbajo y de Mónica García (un poco mejor que su compañero), y con una necesidad urgente de dirección.

Bucanero

Seguimos con “Kungfundidos”, de Bucanero, en el Mesón A Cabaña. Un espectáculo perfectamente prescindible. Repetitivo hasta el hartazgo por falta de ideas. Pedro Picos y Xosé Bonone tienen buena disposición pero necesitan con urgencia un guionista.

Tonhito de Poi

Tonhito de Poi, en A Reserva con “O importante é non levar un jolpe na cabesa”, es otra cosa. La mezcla de pop-rock y letras con retranca contra lo políticamente correcto y la hipocresía social le funciona muy bien. Es un personaje natural, creíble, alternativo y comprometido. Llenó el local con muchos seguidores que conocían sus letras de cabo a rabo. Uno de ellos, incluso, le acompañó en un tema. Una pena que, por lo que respecta al sonido, me tocase el peor lugar de la sala.

Antón Coucheiro

En el Bodegón O’Pescador, Antón Coucheiro con “Hola, veño do futuro” me defraudó. Por su presentación formal y estética esperaba algo más novedoso. Ofrece los números de siempre envueltos en cuero negro. Tiene dotes de cómico, pero faltan ideas y no sé si existe un lugar donde comprarlas a parte de la propia imaginación.

César Cambeiro "Montego"

A César Cambeiro “Montego”, en la Cafetería Colón con “Estado crítico. Que sabemos do cariño?”, le faltan tablas, soltura y gracia para este tipo de trabajo en el que uno está “solo ante el peligro”. Además, sus historias piden a gritos algo de lija y un poco de adobo.

Evaristo Calvo

Produccións Teatrais Excéntricas: Evaristo Calvo y Piti Sanz, en la Cafetería A Bombonera, con “Aprende a ser feliz”, contra todo pronóstico pincharon. Eran uno de los platos fuertes del programa, sus antecedentes y su calidad son un aval que pocos pueden lucir. El texto es bueno, pero a Evaristo, además de no ser Quico Cadaval, le faltan unas cuantas actuaciones más para cogerle el punto.

Os de Ría Íntimos

Con “Chinchín” en el Pub Twenty, Os da Ría Íntimos, se convirtió en el peor espectáculo que he podido ver en décadas. Aunque mi opinión sólo sea una más entre tantas, siento ser tan sincero porque seguramente viven, o lo intentan, de este trabajo. Ni música, ni letras, ni temas elegidos, ni puesta en escena, a pesar de mi buena voluntad, merecen una reseña.

Mentalini

Utiliza algunos recursos interesantes pero no suficientes para que su espectáculo pase de un regular intento por epatar. Además, Mentalini llegó tarde y apurado (imperdonable para un profesional) al Pub O’Patacón para representar “Mentalismo: tsunami mental”. La estética moderna no está mal, pero las bromas fáciles archiconocidas resultan cansinas.

Triatreros

Con Triatreros me sorprendí tanto como el año pasado con Absurdia (ver reseña en intrusosenlared). Gente joven con ganas de disfrutar sobre el escenario haciendo participar al público, sin prejuicios y sin ínfulas, aprendiendo con cada función y formándose. Su espectáculo “Improperio” en la Cafetería Baños Vellos gustó y divirtió. Necesitan tiempo y rodaje pero apuntan buenas maneras.

Alféizar

Para disfrutar con Alféizar hay que asistir con predisposición al disparate musical y a una puesta en escena travestí y cañí sesentera que recuerda a Paco Clavel. Con “Unha vida dedicada ao triunfo” en el Pub Divinity conquistaron al poco público que acudió a verlos. No están mal, aunque reconozco que yo no estaba para tantos meneos y quizás esa circunstancia me impidió verlos con más empatía.

Martín Camiña

En la Cafetería Xorima, con “Encantamientos”, Martín Camiña encantó a los muchos niños que fueron a verle. En realidad no deja de ser un mago simpático, muy al uso actual, con los números de cartas y cuerdas típicos de este tipo de espectáculo, pero está bien en lo que está.


Isabel Risco (Isa)


Y clausuramos en la Cervexaría Dublín con “Isi+Isa nunha encrucillada” donde José Manuel Rodríguez (Isi) e Isabel Risco (Isa) hicieron lo que mejor saben hacer con su estilo marca de la casa. Ella caracterizada de heroína celta cabreada en un gag bastante redondo y logrado, muchísimo mejor que en su actuación del  año pasado (ver reseña en intrusosenlared), mucho más equilibrada en la dicción sin perder su brutalidad característica. Y él, como acostumbra, atropellado, con cientos de anécdotas en la cabeza que bullen por salir, que gusta mucho o nada según qué tipo de espectador te lo cuente y que en Carballo hizo una faena de aliño aceptable.

 
José Manuel Rodríguez (Isi)


El próximo año más y esperamos que mejor. Salud  

lunes, 15 de octubre de 2012

"El Decamerón" de Cándido Pazó

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

EL REFUGIO DE CÁNDIDO PAZÓ
(A propósito de “El Decamerón, historias para tempos ruíns” 
de Abrapalabra Creacións Escénicas)

SANTIAGO PAZOS


Cuando en 2009 el FIOT le concedió a Cándido Pazó el Premio Xograr de Outono, escribí una reseña que, entre otras cosas, decía lo que sigue: “Es actor, director y autor de teatro, pero básicamente es un contador de historias, un transmisor de la sabiduría, del conocimiento, de la experiencia vivida o inventada, y de la picardía popular. Cuando empieza a contarte una historia notas que paladea las palabras, las olisquea, para encontrar las más adecuadas, las que más puedan gustar al oyente, las que enganchen al espectador de modo que no pueda escapar del hechizo. Es un fabulador que utiliza el verbo como una pócima y le funciona más que bien, tanto en la forma como en el fondo. Con un estilo propio.”
Recupero la cita porque sigo pensando lo mismo después de verle en “Memorias dun neno labrego” de Xosé Neira Vilas y en “El Decamerón” de Giovanni Boccaccio, trabajos en los que ¿abandona? su faceta más conocida de monologuista cómico para enfrentarse a obras ajenas en las que la improvisación textual es muy limitada.
En “El Decamerón” ejerce de cronista, narrando los cuentos del renacimiento con fidelidad a los textos pero sin abandonar su estilo personal en la forma de transmitir, de contar, y de buscar la complicidad del espectador para que ambos se sientan cómodos en ese refugio que les cobija y resguarda de la peste pestilente. Bubónica en el siglo XIV y de variada naturaleza biológica en la actualidad, lo que le permite incluir algunos comentarios satíricos, muy acertados para la época que vivimos, a modo de transición entre cuento y cuento. La facilidad con la que Cándido se expresa e interpreta los diversos personajes, incluido el suyo propio, es el elemento fundamental para seducir al espectador.
En definitiva, un espectáculo agradable de ver, con humor e ironía a raudales y con una puesta en escena directa, sin ningún artilugio que enmascare posibles defectos porque no los tiene, o por lo menos yo no los noté. Y eso que el montaje que pudimos ver en Carballo necesitó de una adaptación particular debido a las características del local, que era la segunda vez que se representaba y que además Cándido andaba medio griposo. Ya ven.
Salud   

"En alta mar" de La Machina Teatro

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

GALERNAS Y NAUFRAGIOS
(A propósito de “En alta mar” La Machina Teatro)

SANTIAGO PAZOS






Aunque considero muy loable que una compañía ¿de provincias? se embarque en un proyecto ambicioso como éste con la intención de hacerlo rodar más allá de sus limitadas fronteras, los efectos de la galerna del cantábrico acabó en naufragio y no sólo porque el tema de “En alta mar” de Slawomir Mrozek trate sobre dicho asunto, sino porque el espectáculo de La Machina, avalado por un premio Max, hace aguas a babor y a estribor desde mi humilde punto de vista. Me explico.
El principal escollo lo encontramos en la misma concepción del tipo de teatro que queremos ofrecer, en qué travesía embarcamos al público. La amalgama de estilos teatrales (realismo, absurdo, bufonesco, danza contemporánea…) podría quedar bien con una distribución más marcada de tiempos y espacios, con transiciones de más entidad entre escenas, o con planteamientos más vanguardistas y transgresores, pero en este caso sólo consigue confundir al espectador que, descolocado, no sabe si va en un trasatlántico o en una chalana.
Y a partir de ahí, ya no importa si el inicio es impactante, la iluminación es más o menos colorista, la elección musical es más o menos acertada, o si la escenografía insinúa con inteligencia y elegancia estética los paisajes de referencia, porque el mensaje del bien común, la verdad, la felicidad, la demagogia, la deshumanización del hombre cuando se encuentra en situaciones límite, no llega a un espectador que está perdido. El mensaje no se transmite con coherencia.
Hay que señalar, por justicia, que los actores defienden bien a sus personajes, en absoluto tienen culpa de que un texto de calidad y atemporal, por tratar sobre la condición humana, pase desapercibido. Una pena.    
Salud   

sábado, 13 de octubre de 2012

"O método Grönholm" de TALÍA TEATRO

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

OPORTUNIDAD Y DESAFÍO
(A propósito de “O método Grönholm”, de Talía Teatro)

SANTIAGO PAZOS


Si es cierto, como dice el autor Jordi Galcerán, que hace teatro para que le quieran un rato, creo que tanto a él, como a Talía, el público les quiere desde hace muchos ratos. Sin duda merecido por muchas cosas, pero sobre todo, por lo menos desde mi punto de vista, por “Palabras encadenadas”.
Claro que el cariño es pasajero y en el mundo de la escena mucho más. De ahí que me sorprenda gratamente que Talía, después de dos exitazos como “Volpone” y “Pelos na lingua”, elija una obra que si bien puede parecer un reclamo oportunista para la época que vivimos, también plantea un gran desafío por ser una obra con una estructura férrea que imposibilita adaptaciones blandas y con muy pocos puntos de fuga para la improvisación o el lucimiento para la galería. Aspectos además que marcan mucho la labor de dirección dejando poco margen, en este caso a Xulio Lago, para presentar una visión más personal del espectáculo.
Por todo eso les honra asumir un reto tan complicado y exigente cuando la tendencia actual camina por derroteros más livianos y autocomplacientes. Y por supuesto es un acierto del FIOT coproducir trabajos tan serios.


El resultado en su conjunto es bueno aunque necesita, creo, un poco más de rodaje para alcanzar el tono justo. Asistí a un ensayo con público y al estreno. Y si en el primero les vi con dudas, en el segundo se notaba bastante la tensión corporal debido quizás a la responsabilidad del momento.
El tema, la crueldad de la competencia extrema en las relaciones laborales, es tratado con una crudeza que, aunque lo plantean como un juego entre la verdad y la mentira, la dureza de los diálogos no permite ningún momento luctuoso, a excepción de la escena de los sombreros que adquiere ciertos tintes de comedia provocando las risas, creo que más bien nerviosas, de una parte del público.
Un texto difícil, con muchos monólogos que obligan a los actores a soportar una tensión y a una interiorización de los personajes muy acentuada. Actores que cargan con todo el peso de la trama sin ninguna posibilidad de escape, encerrados en una sala de reuniones diáfana y sin apenas elementos que les permitan evadirse del cometido principal por el que están allí, arrasar al contrincante sin un ápice de piedad. Y si en conjunto logran muy buen nivel, es esa responsabilidad interpretativa la que marca la diferencia entre un Toño Casais muy serio y convincente en su papel de Fernando, un Artur Trillo bastante plano (quizás porque el personaje de Henrique es un tanto pusilánime), una María Ordóñez más blanda de lo que posiblemente exige el personaje de Mercedes, y un Dani Trillo desdibujado por momentos en su papel de Carlos.
En definitiva, y a pesar de esas puntualizaciones anteriores, creo que cumplen notablemente con el objetivo como lo prueban los mayoritarios comentarios positivos del público que ha acudido a verles en Carballo.   
Salud   

viernes, 12 de octubre de 2012

ALBERTO GENDE (FOTOS EXPOSICIÓN)

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

EXPOSICIÓN:
"ALBERTO GENDE:
DEZANOVE ANOS DE PERCORRIDO XUNTOS"

GALERÍA FOTOGRÁFICA

video

ALBERTO GENDE

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

ALBERTO GENDE:
RIGOR Y DISCIPLINA CREATIVA

SANTIAGO PAZOS


Las noticias se comportan como caníbales hambrientos, se devoran unas a otras incluso cuando la más incauta casi no ha nacido. Pasó ayer mismo cuando en los discursos de inauguración de la Exposición “Alberto Gende: dezanove anos de percorrido xuntos”, el Presidente de Telón y Aparte (organizador del FIOT) Alberto Sueiro anunció que el Xograr de Outono 2012 premiaba a título póstumo la trayectoria vital y artística de Alberto Gende. Así, hoy, los medios de comunicación comentaban la exposición en un segundo plano y los titulares ensalzaban el merecido premio.


Sin embargo, creo que al diseñador gráfico, al creativo multidisciplinar, al artista Alberto Gende, sin desdeñar en absoluto el reconocimiento, le hubiese gustado leer alguna crónica más exhaustiva sobre su proceso creativo, o sobre cómo su estilo se va depurando en esos diecinueve años de colaboración con el FIOT.
Años en los que si el festival de teatro de Carballo crece en calidad, el artista también lo hace plasmando en sus carteles y programas una mayor concisión de ideas, simplificando a veces el mensaje, o cargándolo de abstracción, otras. Siempre, eso sí, con un fondo de fina ironía y con una concepción escenográfica muy acorde con la temática que la programación teatral impone.


El rigor y la disciplina de su proceso creativo podemos verlo en alguna serie de dibujos preparatorios, o en los bocetos que recogen los cambios que sufre una idea primeriza, quitando o añadiendo elementos para que definan con más claridad el mensaje que se quiere transmitir. Rigor en la profundización de un estilo propio que le identifica y que convierte en marca inseparable del FIOT. Y disciplina en el aprendizaje y uso de las novedades tecnológicas, volviendo sin prejuicios a técnicas elementales, como la fotografía y el dibujo, cuando las circunstancias lo exigen.


Y aunque la sala es pequeña, el montaje de la exposición realizado por el personal de cultura del Concello de Carballo, dirigido por Carmen Castro, está hecho con inteligencia, reflejando el cariño y la admiración que la figura de Alberto Gende inspira.
En la entrada de la sala hay una foto del artista en traje de faena en la que parece mirar hacia sus trabajos reunidos con ojos de satisfacción y un poco de esa cierta sombra de duda que caracteriza a todos los creadores que huyen de la autocomplacencia. Así era y así es el legado que nos ha dejado.         
Salud   

miércoles, 10 de octubre de 2012

CAFÉ CON...

(FIOT 2013)
XXII FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

CAFÉ CON…

SANTIAGO PAZOS


Café con...  Titzina Teatro

Si hay una actividad del FIOT que me divierte y me enseña es la denominada Café con… Una reunión distendida entre los componentes de las compañías teatrales que nos visitan y los aficionados fioteros interesados. Suelen celebrarse el mismo día de la función a las 19’30 horas en la primera planta del Pazo da Cultura.

Poder preguntar a los actores cómo han preparado su papel, o que el director te cuente sus motivos para elegir esa obra en concreto, o qué elementos del montaje nos pueden resultar más interesantes, es un lujo que la mayoría del público se está perdiendo.

Sea por los motivos que sean, mala comunicación de los organizadores, que es una actividad que depende de la buena voluntad de los artistas, o que algunas veces (pocas) no se puede celebrar por algún imponderable, la asistencia es muy minoritaria, desluciendo así la actividad.

Bien es cierto que no es una actividad para más de quince o veinte personas, pero es que la mayor parte de los días podemos contar a los asistentes con los dedos de una mano, gesto muy desagradecido con unos profesionales que hacen un tremendo esfuerzo,sacando el teatro fuera de los escenarios habituales, para hablar de su proceso creativo.




Por ejemplo, Diego Lorca y Pako Merino, de Titzina Teatro, nos contaron cómo preparan sus montajes, su proceso de creación y documentación, que esta obra sólo se ha visto seis veces en Argentina con buena aceptación, y que la función de hoy es estreno en España, entre otra muchas anécdotas e interioridades del montaje.

Por eso quiero animar a los muchos buenos aficionados carballeses a que se informen y asistan porque estoy convencido que quedarán muy satisfechos con la experiencia.

Además, todo es gratis con café incluido. Anímense.
Salud   

martes, 9 de octubre de 2012

"Contra el viento del norte" de Tanttaka Teatroa

(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

BUENAS ARTES PARA MALAS LETRAS
(A propósito de “Contra el viento del norte” de Tanttaka Teatroa)

SANTIAGO PAZOS


Lo que menos me gustó de esta historia fue la propia historia, por conocida, previsible y más que verosímil por mucho que nos empeñemos en situar lo virtual fuera de la realidad material. No puedo dar datos personales, pero conozco un caso en el que la escabrosa realidad hizo saltar por los aires esa supuesta virtualidad. En definitiva, la obra de Daniel Glattaeur no es más que un Corín Tellado romántico situado en la época informática de las redes sociales. Un best seller con todos sus tópicos ingredientes precocinados para embelesar a lectores agradecidos.
Y a pesar de ese lastre, Fernando Barnués, su director, consigue hacer interesante y buena una historia que por sí sola sería soporífera. A partir de aquí, de su montaje, podemos hablar de teatro. Un buen trabajo en la distribución de espacios, bastante plana en lo que respecta a la acción teatral, un tratamiento del tiempo muy equilibrado y un notable trabajo con los actores sobre todo si tenemos en cuenta la dificultad que supone convertir en diálogos textos epistolares entre dos personajes que ni se ven ni se conocen.


Sobresaliente el recurso audiovisual, imprescindible para que las transiciones entre las distintas escenas no rompan el ritmo. Con imágenes muy sugerentes en blanco y negro de David Barnués (vídeo) y Naiel Ibarrola (dibujos), y acompañados con gusto y sensibilidad por la música original del piano de Joserra Senpirena y el chelo de Elena Escalza.
Una escenografía, de José Ibarrola, moderna y luminosa en la que la línea invisible que preserva la intimidad de los adosados protagonistas sólo es violada cuando el director se toma la licencia de romper esa virtualidad, (¿realidad o fantasía?, qué más da), con acciones tan sutiles como la manzana que Eva le lanza a Adán, o la botella que él descorcha para ella.
Y los actores bien. Sin excesos, con interpretaciones muy intimistas dada la dificultad de no poder darse la réplica cara a cara y logrando (buen marcaje del director) no parecer dos monólogos enmarañados. Muy contenido y convincente Joseba Apaolaza, y con muy buena expresividad corporal Itziar Atienza.
El tercer personaje, Kike Díaz de Rada, era perfectamente sustituible por una voz en off, y su participación más que aportar claridad a la trama es un brochazo final que emborrona una obra en general muy digna.
Salud   

miércoles, 3 de octubre de 2012

INTRODUCCIÓN FIOT 2012



(FIOT 2012)
XXI FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

INGENIO CONTRA LA ADVERSIDAD
SANTIAGO PAZOS

Cartel del FIOT: Diseño de GENDE ESTUDIO 

Quizás más que nunca, la educación y la cultura en sus diversas manifestaciones, incluido el teatro (como espacio de crítica descarnada, sarcasmo, fantasía y creatividad sin ataduras), son ahora imprescindibles para enfrentarse a la pereza que produce el ruido atronador que, en la actualidad, ensordece cualquier reflexión desapasionada, a la nefasta deslocalización ideológica, a la mentira y el engaño tan poco teatrales que acogotan y constriñen cualquier iniciativa constructiva, a tanto delirio economicista, tijeras, recortes, incompetencia, rescates que ahogan y crisis.
No sé si tuvieron en cuenta estos extremos, pero sí parece que contra tanta adversidad, los organizadores del FIOT 2012 han agudizado el ingenio y nos presentan un programa que reafirma la creencia de los que pensamos que, aún en estas circunstancias, las cosas se pueden hacer bien. Sobre todo mucho ingenio, argumentos y capacidad de convicción han derrochado para recabar el apoyo de instituciones y empresas a un proyecto que no genera beneficios contables inmediatos. Así, contra todo pronóstico, el FIOT mantiene su calidad y el número de actividades.
Sí, ya sabemos que en teatro los antecedentes, trayectorias y éxitos penden del frágil alambre, y posiblemente injusto, por el que discurre la última función, y por eso la crítica la haremos según vayamos viendo. Pero sobre el papel, las expectativas que ofrece la programación son muchas y muy positivas.

Organizadores y patrocinadores en el acto de presentación

Cómo la información sobre el grueso de las actividades podéis consultarla en Facebook: festivalinternacionaloutonoteatro o en www.fiot.org, sólo daré unos apuntes sobre las obras que considero más atractivas:
- La participación por tercer año consecutivo del director Miguel del Arco. Después de “La función por hacer” y “La violación de Lucrecia” con Nuria Espert, regresa con “Juicio a una zorra”, un monólogo para Carmen Machi basado en Helena de Troya.
- “El montaplatos” de Harold Pinter (si no recuerdo mal, la primera obra que veremos en el FIOT de dicho autor), adaptada por Alberto San Juan para Animalario Teatro.
- Els Joglars con “El Nacional”, una parte imprescindible de la historia del teatro español.

Els Joglars

Sólo con estos tres espectáculos, avalados además por críticas excelentes, se justifican las buenas expectativas que despierta el programa. Y tenemos que añadir a Tanttaka Teatroa, a Talía con una coproducción del propio FIOT, a Manuel Manquiña con Teatro do Morcego, el experimental Ciclo OTNI, a Rúa dos contos, el XII Concurso Escolar de Teatro Lido, o la Exposición Homenaje del admirado pintor y diseñador Alberto Gende con todos sus trabajos realizados para el FIOT, etc, etc.
Motivos más que suficientes para que al contrario de esos personajes que Fernando del Paso describe en “Palinuro de México”  a los que “les da pereza cambiar de nombre y de estatura, volverse viejos de repente, aprenderse de memoria los recuerdos ajenos o recibir con alegría a viejos amigos que nunca han visto”, los fioteros laboriosos y diligentes de Carballo desempolvemos nuestras máscaras en octubre, aireemos ropajes propios o ajenos y abramos nuestra puerta para que entren todos los personajes reales o inventados que quieran visitarnos sin preocuparnos por su edad, procedencia o rango. Octubre es teatro y sueños de cartónpiedra en Carballo. Saludos y mucha…