HAMLET

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

TEATRO EN ESTADO PURO

 (A propósito de “Hamlet” da Companhía do Chapitô)

SANTIAGO PAZOS

O que fai a Companhía portuguesa do Chapitô é teatro en estado puro. Adaptación e interpretación creativa  dun texto potente, nesta ocasión “Hamlet” de Shakespeare. Expresión corporal e xestualidade enxeñosa, sen moitos artificios, máis ben inclinando a balanza cara a sinxeleza, son as súas sinais de identidade. Con catro focos de luz situados estratexicamente nun escenario baleiro e uns elementos cotiás que forman parte do propio vestiario, neste caso garabatas, que se transformarán en múltiples utensilios son capaces de crear un mundo no que pode pasar calquera cousa que sexa necesaria para expresar o que se ten que contar, ata a brisa xélida dunha ánima que pasa desacougada.

Sitúan Hamlet na actualidade, nunha multinacional chea de traballodor@s traxead@s, sen perder fidelidade a trama marcada polo autor. Asasinatos, traizóns, vinganzas, amor, dolor e honra seguen a estar presentes aínda que presentados dende un óptica desenfadada, e por momentos cómica, que racha con esa visión litúrxica e arrogante da traxedia.

Xa digo. O escenario está baleiro de obxectos superficiais.   Os focos de luz son unha porta xiratoria, un ascensor, ou a foxa dun cemiterio. As garabatas serán armas, pas, ou teléfonos móbiles, entre outras moitas cousas. E eles, os actores, fundamentais, son personaxes ambivalentes e versátiles, corpos dúctiles cunha capacidade extraordinaria de transformación para asumir, con facilidade, roles escénicos cheos dunha imaxinación desbordante. Xeniais.

É a cuarta vez que veñen ao FIOT e nunca defraudan. Estou seguro de que seguirán vindo porque son teatro de verdade, sen artificios, feito cunha intelixencia sobresaínte. Imprescindibles e excepcionais. Poderemos ver, e xa temos visto, moitas adaptacións de Hamlet, pero coa personalidade que lle imprimen os de Chapitô non atoparemos moitas. Parabéns para todos os que forman parte deste proxecto teatral tan relevante e ao FIOT por confiar neles.  

Saúde y larga vida…

CONSERVANDO MEMORIA

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

MELANCOLÍA EMBOTELLADA

(A propósito de “Conservando memoria” de El patio teatro)

SANTIAGO PAZOS

Tengo que reconocer que me gusta el café con doble ración de azúcar. ¿Para qué negarlo? Y sin embargo, para la vida prefiero media cucharada escasa. El exceso de edulcorantes me produce una extraña sensación de empalago existencial.

Son extremos personales que seguramente no interesan a nadie, pero cada cual organiza y cataloga sus recuerdos por categorías que obedecen a designios arbitrarios. Eso de que la memoria acaba siendo un lugar estanco lleno de archivos clasificados parece una idea sensata a la vez que aburrida y poco interesante.

La protagonista de “Conservando la memoria” pregunta sobre cuestiones que, en apariencia, son más profundas. Por ejemplo: ¿Cuándo nace un recuerdo, o qué ingredientes necesita una vida para ser extraordinaria?

Todo en esta pieza de aspecto decimonónico, incluida su personal filosofía, es bonito y dulce como las yemas de Santa Teresa. No se puede poner un pero, ni en la estética, ni en la temática, ni en la interpretación.

Bueno, es una pena que yo que no crea en la perfección, ni en la idealización amorosa del pasado.

Salud y larga vida…

O ELECTO

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

CUESTIÓN DE CONFIANZA

 (A propósito de “O electo” de Contraproducións e Focus)

SANTIAGO PAZOS

Ás veces, coma onte na estrea de “O electo”, un atópase en situacións non preconcibidas que lle permiten acceder a información privilexiada. Na fila de abaixo estaba sentado o autor da obra orixinal, o actor e escritor Ramón Madaula, e na butaca de enfronte podía observar con detalle a Cándido Pazó, director e creador desta versión en galego. Ramón atendía expectante a todo o que acontecía no escenario. E Cándido, penso que feliz e nervioso a un tempo, repetía para os seus adentros os diálogos que os actores ían tendo.

Ramón Madaula e Cándido Pazó ao finalizar a estrea

Cabe destacar que esa actitude de Cándido Pazó di moito sobre esa paixón e compromiso profesional tan forte que ten, consigo mesmo e cos espectadores, en cada obra que dirixe ou interpreta. Pode gustarche ou non, podes considerar que acerta ou erra, pero notas que cada traballo está feito cunha seriedade cabal e contrastada. Tamén con afecto. O traballo artístico precisa deses dous compoñentes, razón e sentimento. E Cándido Pazó, na súa traxectoria artística como contador de historias, dramaturgo e director teatral, tennos acostumados a darnos a ración equilibrada de cada un deles segundo o baremo que considera axeitado.

E nesta ocasión demostra que coñece moi ben a xente da Galicia na que vive e que domina os rexistros humorísticos que a fan rir a gargalladas. Sen necesidade de meter o coitelo para facer sangue innecesaria deixa ao descuberto, de xeito sutil, vicios e virtudes, particulares e comunitarias, que todos coñecemos. É certo que non se complica buscando elementos rebuscados, lévanos directamente a ese territorio cómico co que todos estamos familiarizados. E anque dito así parece sinxelo, non é tal. Hai que dominar esas ferramentas, como fai Cándido, para que o resultado teña o acollemento pretendido.

Esta é unha comedia que trata sobre a personalidade dun político ao que un tic accidental, produto da inseguridade , non lle permite asumir a condición de Presidente da Xunta de Galicia para o que foi elixido. Eiva que será tratada por un psiquiatra que cuestionará todas as convencións ás que a política real nos ten acostumados, cunha terapia na que os enredos dialécticos, a través de áxiles e retranqueiros diálogos, van poñendo ao descuberto os profundos motivos dese defecto.

A todo isto temos que engadir, seguindo esa lectura que a propia obra propón, que o “medo a ter medo” funciona  como metáfora da propia conciencia e que para liderar  con convicción unha sociedade é preciso certo delirio que enmascare a hipocrisía na que as propias relacións sociais se desenvolven.

E se a todo isto lle sumamos que conta con dous actores, Manu Baqueiro e Antonio Mourelos, que están espléndidos defendendo personaxes que xogan con referentes coñecidos cun estilo moi persoal e convincentes, o futuro de éxito está asegurado. 

Como ven, todo é unha cuestión de confianza...

Nota ao marxe: Só por curiosidade acudín a ver a reacción do público na segunda función que ofreceu o fIOT e teño que dicir que os aplausos e “bravos” foron, como no día da estrea, unánimes. 
Parabéns.  

Saúde y larga vida…

LA GOLONDRINA

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

EL CIELO DE LOS PERROS

 (A propósito de “La golondrina” de La Zona)

SANTIAGO PAZOS

Es curioso comprobar como algunas ideas se convierten en universales sin saberse bien si son invento de un niño o de un sesudo pensador. Lo digo por “el cielo de los perros”, frase que escuché en “La golondrina” y que ya hace casi veinte años se le ocurrió a Carlos, un vecinito de seis años que gustaba de pasear conmigo a Alfred Hitchcock (mi añorado perro que murió de viejo). Claro que Carlos pensaba que tenía que haber un lugar celestial en el que los perros muertos descansasen su eternidad y en este caso ese cielo de los perros es un infierno a donde mandan los talibanes de todas las religiones a los herejes a los que se les niega el eterno descanso.

De eso va, en parte, “La golondrina”. Pero fundamentalmente trata del daño y el sufrimiento que provocan los silencios, la incomprensión, la preferencia por ignorar esa realidad que amenaza nuestro falso bienestar. Silencios incómodos que nos impiden conocer la verdad de cómo, y qué, sienten y padecen esos seres queridos que son distintos, que van contra la anormal norma de que todos debemos estar cortados por igual patrón. Silencios atronadores que funcionan como cilicios en las piernas de los más castos y de los “llamados o supuestos” pecadores. Sí, también de ellos como víctimas.

Y se habla del amor encapsulado, de los afectos no mostrados, de las caricias y los besos prohibidos, de la violencia cómplice que supone mirar para otro lado. Todo un manifiesto en favor de la obligación que tenemos, como seres humanos, de respetar lo diferente, en este caso la homosexualidad, de escuchar y de ser beligerantes contra todos esos silencios sicarios que ayudan a crear el caldo de cultivo donde se forman los monstruos que acabarán por robarnos lo que más queremos y no supimos cuidar.

De eso va. Ya ven. No importa tanto si Carmen Maura estuvo más o menos lucida o si Dafnis Balduz consigue una interpretación memorable, donde la fuerza y la convicción arrancan lágrimas entre el público. O sí, porque es teatro y en ese mundo cada palabra y cada gesto importan. Pero disculparán que para mí, hoy, sean asuntos secundarios.

Y el público carballés, quizás demasiado magnánimo, aplaudió puesto en pie a unos actores que supieron transmitir ese mensaje con nitidez. Yo aplaudí, con fuerza, el acto en sí de que ese mensaje sea proclamado y escuchado.

Salud y larga vida…

TODAS HIEREN Y UNA MATA

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

AMOR Y LIBROS

(A propósito de “Todas hieren y una mata” de Ay Teatro)

SANTIAGO PAZOS

 

Después de la espesa ración de teatro documento y drama, nos vino bien a los fioteros desengrasar un poco con “Todas hieren y una mata”, una obra que, si bien no se escabulle del tema que nos ocupa este año, (el empoderamiento de la mujer, el feminismo, el machismo y la diversidad sexual), trata el tema de la liberación femenina con un tono más festivo y desenfadado sin perder la seriedad que requiere dicha reivindicación.

El estilo de Ron Lalá marca la pauta desde el primer momento y no sólo porque la dramaturgia sea de Álvaro Tato y la dirección de Yayo Cáceres, que también, sino por ese ritmo ágil y marchoso que hacen de la comedia de enredo un torbellino sin pausa y por esos recursos cómicos tan particulares que tienen al público entretenido y sin pestañear durante toda la función.

No es extraño que Álvaro Tato, cómico y poeta, escriba tan bien el verso clásico, su inspiración. Aún recuerdo “Ojos de agua”, “Crimen y telón”, y esas obras Ronlaleras que llevan también su sello como “Siglo de oro, siglo de ahora”, “Cervantina” o “En un lugar del Quijote”. Y aunque no es el único que se da un paseo por lo clásico, (en 2017 pudimos ver la Shakesperiana “La ternura” de Alfredo Sanzol”), Tato imprime un toque de modernidad y música al verso y a la métrica que la hace, si cabe, más popular y cercana.

Y por supuesto que Yayo Cáceres es el que mejor conoce esa dramaturgia y el que sabe orquestar a la perfección los elementos que le dan viveza y ritmo. Y entre esos elementos, las interpretaciones de los actores. Todos están estupendos, pero cabe destacar la de Diego Morales, como Pico, y la de Sol López, como bruja y criada.

Nos vino bien esta frescura antigua, esos versos rimados estupendamente, ese enredo de amores y espadachines, ese aviso de que el tiempo se escapa sólo si te pierde la desidia y, por encima de todo, que la mujer es libre de decidir por sí misma y que los libros son los cofres donde se guardan todas las vidas que han sido y serán.   

Salud y larga vida…

CHICAS Y CHICOS

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

LA SANGRE FRÍA

 (A propósito de “Chicas y chicos” de El Sol de York)

SANTIAGO PAZOS

 

En un principio parece que la directora de “Chicas y chicos” Lucía Miranda y Antonia Paso, como protagonista, nos van a relatar, con un estilo casi costumbrista, la historia  de una mujer que pertenece a un mundo donde las convenciones y las apariencias lo ocupan todo.

Una mujer que pide que no la juzguemos pero que siente la necesidad de darnos todas las explicaciones posibles de su biografía personal y familiar, en una larga introducción que dura una larga hora, como queriendo justificar su papel en los tristes y sangrantes acontecimientos que nos contará a continuación. El asesinato de sus dos hijos cometido por un padre, por un marido que no pudo soportar que su decadencia profesional iba acompañada del éxito de la carrera de su esposa.

Los techos de cristal que el machismo no soporta que la mujer traspase es uno de los temas troncales, junto a la aniquilación familiar, de una obra que habla también del uso curativo de la memoria selectiva, del amor y de la culpabilidad, del control y del sacrificio, de la convivencia y de los afectos.

Sin embargo, parece que haciendo caso a Arturo Pérez-Reverte cuando dice que “no es bueno abusar de los afectos”, toda esa vida, con su tragedia incluida, es relatada desde una distancia emocional que sorprende. La propia directora dice que no quiso presentar a una víctima, dolorida y sufriente. Y lo consigue a costa de la empatía del espectador que no acaba de entender esa especie de desconexión que la protagonista tiene con su propio drama.

Una protagonista que, por otra parte, defiende con bastante soltura su monólogo si tenemos en cuenta que las instrucciones de dirección son de contención emocional. Aun así, Antonia Paso, profesionalmente, deja buenas muestras del uso de variados registros dramáticos, la ensoñación cuando juega mentalmente con sus hijos, (ya muertos), la alta comedia, el humor, el drama, la frescura y seguridad cuando interpela al público, o la agilidad para cambiar de tercio sin la ayuda, apenas, de un silencio.

Y para acompañar aciertos y ¿desaciertos?, una escenografía e iluminación sencillas que inciden en lo simbólico por los elementos que utiliza, la arena con lluvia incluida creando un momento de dramatismo sublime, las sombras que muestran las dobleces del personaje acompañándolo en todo momento como queriendo recordarnos que la soledad en momentos como los que vive esta mujer profundiza su tragedia, o los dinosaurios.

Mas uno se queda frío cuando escucha como nos narra tan descriptivamente ese momento en que el padre sitúa el pulgar en el costado de su hijo mientras guía con la uña el puñal que le está clavando en el corazón, porque mientras a ti se te hiela la sangre la madre no muestra más pesadumbre que la de esas voces en off de los documentales teatralizados de crueles asesinatos. Y en cierto modo me recordó un poco al estilo de Truman Capote en “A sangre fría”.

Quizás los excesos de afectos y pasiones nos obnubilan e impiden que comprendamos el mundo de una manera racional, pero a mí, dejando a un lado el amarillismo, siempre me doblega un quiebro en la voz.

   

Salud y larga vida…

FIOT 28 - MIRADAS (3)

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO DE CARBALLO

MIRADAS FIOT (3)

O TEATRO SÍ É UN ACTO INTELETUAL

SANTIAGO PAZOS

  

Despois da estupenda interpretación que fai en “Jauría”, ao recoller o Premio do Público do FIOT pola obra “Iphigenia en Vallecas” que protagonizou o ano pasado, escoitei a María Hervás dicir que o teatro non é un acto intelectual, que só é un acto de vida, de realidade. Supuxen, intentando interpretala, que quería referirse a que o teatro non esta feito só para unhas elites intelectuais, que é unha arte que fala das experiencias cotiás e que trata dos asuntos que nos afectan directa ou indirectamente, xa sexa dende un aspecto sentimental ou material.

Interpretala, claro, non é estar da cordo. Penso que todo acto no que se reflexiona racionalmente sobre calquera asunto é un acto indiscutiblemente intelectual. E o teatro, aínda que se fixera para un público pouco ilustrado, é un acto reflexivo e polo tanto intelectual.

Xa digo, dou por feito que María quixo incidir no aspecto popular e próximo as inquedanzas da xente nas artes escénicas e non reparou suficientemente no que estaba a afirmar. Tamén é certo que a emoción do momento mandaba sobre calquera outra consideración cultural.

O caso é que, a parte de felicitar a María Hervás polo seu traballo de interpretación tan excelente, esa afirmación venme moi ben como introdución dos diversos estilos de facer monólogos que vimos esta fin de semana na Rúa dos Contos.   

RÚA DOS CONTOS

(Noites de RÚA CHEA)

MARÍA DA PONTRAGHA

“A volta dos contos”

Café-Bar Ranqui

O estilo de María da Pontragha é claramente antropolóxico. Así que por forza é un acto intelectual o que fai cando recupera os contos de vello e os acompaña de cantigas tradicionais.

Nos seus comezos profesionais veu contar a Carballo e os nervios xogáronlle unha mala pasada. Non puido lucirse, pero son cousas que pasan. O importante é medrar e seguir contando.

Mais desta volta, dixo en alto “aquí estou eu”. Así, ás bravas, como se debe facer cando unha sube enriba dun escenario. Contou con seguridade e con personalidade, sen perder esa sinxeleza que reflicte a verdade. Gustoume.

3 PATAS

“Comedia improvisada”

Bulevar Music Café

A improvisación ten uns riscos tremendos, hai que ter unha capacidade de reacción moi forte para non defraudar e que o espectáculo teña unha continuidade cómica áxil e dilixente. E dicir, hai que ter unha capacidade intelectual e un fondo de armario en canto a recursos dialécticos e teatrais ben equipado. Neste caso non estiveron a ese nivel de exixencia. Terán que mellorar.

FEDERICO PÉREZ

A Barra Bar

Teño visto (era) a Federico Pérez en moitas ocasións, xa sexa en directo ou en televisión. Unhas veces con mellor acerto que outras. En todas é recoñecible, dende “O florido Pénsil” ata “Presidente” ou en “Era visto” da TVG. Isto non ten porque ser unha eiva, penso que é importante recoñecer a un actor polo seu estilo persoal. Non me refiro á teima de permanecer asociado a un único rexistro de referencia, algo que todos os actores rexeitan con toda razón.

Dito isto, a min, en concreto, o Federico monologuista non acaba de convencerme. Penso que ten capacidade para contar historias cun nivel máis coidado, cun grao de sofisticación e creatividade na linguaxe e nos temas que trata algo máis elaborados. O chiste fácil tabernario e o recurso ao “Mecajonosclavosde...” permanente e repetitivo estará ben para certos públicos, pero...   

TEATRO DE RÚA

VOL’E TEMPS 

“DistanS”

Praza do Concello

O último espectáculo de Teatro na rúa mantivo ese nivel de tenrura e dominio das técnicas circenses ás que nos ten acostumados esta sección do FIOT. É un pracer ver este tipo de espectáculo, sempre tan coidado e fantasioso na estética e tan imaxinativo na mensaxe. E por riba de todo, ver esas caras dos cativos co sorriso a boca chea é impagable. Por certo, é de balde. Notable.

Saúde y larga vida

JAURÍA

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

EL SILENCIO ES UN ARMA CARGADA DE IMPOTENCIA Y RABIA

(A propósito de “Jauría” de El Pavón Teatro Kamikaze)

SANTIAGO PAZOS

De nuevo (y van…) Miguel del Arco, con la inestimable ayuda de Jordi Casanovas, viene a sorprendernos con una obra de teatro documental sobre un acontecimiento que aún tenemos impreso en las retinas por su inmediatez en el tiempo y por el impacto social que causó en su momento y que mantiene su actualidad por ser una triste noticia que se sigue repitiendo, a pesar de los pesares.

Desde el principio ya avisan de que los textos no añaden una coma a lo dicho en el juicio en el que se condenó a la llamada “Manada” primero por abuso y después, una vez revisada la sentencia por el Tribunal Supremo, por violación. Esto, después de un clamor popular que entendió que el silencio es un arma cargada de impotencia y rabia y que en ningún caso puede concebirse como una aceptación preconcebida. Sobre todo cuando ese silencio atronador procede de una víctima acorralada por cinco psicópatas.

Que los textos procedan de los testimonios y pruebas del juicio no impide que Jordi Casanovas elabore una dramaturgia que deja al descubierto las contradicciones de un relato que sólo admitía una verdad. Es decir, los actos probatorios que llevaron a la condena por violación. Algo, por otra parte, que profundiza en la forma de hacer teatro donde la interpretación es la columna vertebral que sostiene la obra y engancha al espectador.

Estupendos los cinco actores en sus triples personajes, como acosadores, abogados y magistrados. Y María Hervás, frágil hasta la extenuación como víctima y convincente y enérgica como fiscal. Y, sin duda, se ve la mano maestra de un Miguel del Arco en una dirección que controla los tiempos y el ritmo y que aporta unos efectos teatrales al relato que mantienen en permanente estado de alerta al espectador. Entre ellos, los taconeos, las palmas, la voz en off, las grabaciones de las protestas populares pidiendo justicia, o el virulento y angustioso interrogatorio al que los abogados defensores someten a la víctima. Todo ello en un escenario en el que en medio de una enorme pared de duro hormigón, destaca el pequeño y asfixiante cubículo donde se produce el salvaje ataque machista.

En un principio pensé que la proximidad de los hechos, el no poder verlos con cierta perspectiva en el tiempo, quizás, en el momento actual, hacían  prescindible esta obra. Sin embargo, teniendo en cuenta la capacidad de olvido que la gente tiene, la prisa y las urgencias de los medios de comunicación por encontrar y primar noticias que se van solapando unas a otras sin fin y la sucesión escandalosa de nuevos casos, creo que el criterio de oportunidad ha de imponerse por encima de cualquier otra consideración. Porque la lacra de la violencia machista nos exige mantener una lucha permanente, un combate sin cuartel en el que la pedagogía y la justicia han de ser sus banderas.

Excelente y, rectifico, imprescindible trabajo.

Salud y larga vida…

JUGUETES ROTOS

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

VIVIR EN UNA JAULA

 (A propósito de “Juguetes rotos” de Producciones Rokamboleskas)

SANTIAGO PAZOS

  

Recuerdo cuando se estrenó la película “Un hombre llamado Flor de Otoño” dirigida por Pedro Olea e interpretada genialmente por José Sacristán, era 1978. Recuerdo igualmente el estreno de “La muerte de Mikel” dirigida por Imanol Uribe e interpretada por Imanol Arias en 1984. Pero en el 77 ya se había estrenado en Madrid una versión de “La jaula de las locas” dirigida por Jaime Azpilicueta. Obra que, convertida en musical, se puede ver también estos días en Madrid. Y recuerdo, por esos años, haber leído “Diario de un ladrón” de Jean Genet, una especie de biografía novelada que se desarrolla en gran parte en Barcelona y en la que cuenta la sordidez que rodea la prostitución masculina y las relaciones homosexuales en la época pre guerra civil. Y no puedo situarlo exactamente, pero por esa época también vi “La ley del más fuerte” y “Querelle” (precisamente basada en una obra de Genet), de R.W. Fassbinder. También, ya lo he contado, fui a ver a Paco España, el gran transformista español de la época de la transición y a otros en algunos antros de Zaragoza, Santander o Valladolid.

Lo cuento porque es necesario situarse para poder escribir sobre “Juguetes rotos”. Evocar la desazón y la rabia que te provoca asistir a espectáculos que esconden una realidad difícil de entender y asimilar. Detrás del oropel y las capas de maquillaje acartonado, los sentimientos y deseos de libertad florecen y se manifiestan desde la sensibilidad más íntima. Y no es una reivindicación nueva aunque, afortunadamente, la búsqueda de la necesaria visibilidad sea hoy más potente y generalizada.

En “Juguetes rotos” me faltó ese aspecto reivindicativo que produce la rabia y la injusticia. Y sin embargo, creo que la austeridad y contención narrativa de Carolina Román tiene un nivel de calidad y calidez que cabe destacar y aplaudir. Ese retrato en blanco y negro, coloreado únicamente por unos números musicales bien resueltos e interpretados con lucimiento por Kike Guaza, describe y sitúa la trama en una época, no tan lejana, en la que todas las ventanas de España estaban cerradas a cal y canto.

Y esa austeridad tan representativa de la época nos la traslada Nacho Guerreros con una interpretación que, aunque en principio resulta un tanto envarada, te va cautivando poco a poco al transmitirnos tanto sentimiento y sensibilidad reprimida desde la sobriedad de un ser que busca su lugar en el mundo donde no tenga que vivir humillado. Su papel no tiene esa vistosidad de la que goza su compañero pero quizás por eso, el suyo, es el más difícil de interpretar. Y lo hace bien.

Y mención destacadísima merece Alessio Meloni por el diseño de la escenografía. Acertada y metafórica. Esas jaulas llenas de plumas, tan simbólicas como impactantes. Jaulas que por momentos se convierten en armarios que hay que abrir por fuerza para no ahogarse. Buena iluminación también y excelente dirección. Sin duda, Carolina Román, nos presenta un trabajo que retrata, con bastante verosimilitud, la realidad de unos hombres que perseguían vivir su segunda vida como la única posible para ser ellos mismos, sin recurrir al panfleto y que nos ayuda a nosotros a liberarnos de los propios prejuicios.

Salud y larga vida…

"Dados"

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

LOS MONSTRUOS SOLO ESTÁN EN TU MIRADA

 (A propósito de “Dados” de Ventrículo veloz)

SANTIAGO PAZOS

Casi tan atronador como el mensaje reivindicativo que contiene esta premiada obra, programada para alumnos de los Institutos de ESO de Carballo dentro del Fioteen, fue el aplauso que le brindó un público juvenil que, si bien entendió perfectamente las proclamas y argumentos en favor de la diversidad sexual, se sintió un poco azorado a la hora de participar en el coloquio que se desarrolló al terminar la función. Miedos, vergüenzas y prejuicios perfectamente comprensibles.

Por mucho que repitamos que la sociedad actual está preparada para asumir cambios tan revolucionarios que afectan a la mentalidad y al modo de entender la libertad individual para elegir, cuando se es capaz de hacerlo, los distintos modos que pueden existir de relacionarse y desarrollar la personalidad y la sexualidad, la realidad nos demuestra que no es cierto. Que la exclusión, el bullying, el desprecio y la incomprensión siguen mandando.

Un montaje moderno. Utilizando la música, las referencias culturales y de entretenimiento, el lenguaje de uso común, la sensibilidad y gustos compartidos, tocan la fibra del público al que se dirigen. No tengo duda de que hablando su lengua, moviéndose como ellos se mueven, de la forma y en los ambientes que ellos lo hacen, es el instrumento más directo que podemos utilizar para comunicar, para informar, para hacer pedagogía del respeto a los que quieren, por propia elección o por no tener más remedio, crecer y vivir como iguales y diferentes sin tener que agachar la cabeza. Por propio derecho.

Esta obra es un experimento arrollador, atropelladamente juvenil, que llama cabronazo a Lovecraft por haber inventado tantos monstruos incomprensibles y alucinantes, que habla de la admiración que sentimos por una obra como el “Jardín de las delicias”, llena de horrendos especímenes, mientras pateamos y perseguimos a nuestros semejantes por querer vivir sus vidas en libertad. Gentes que, como bien dicen, en su mayoría no decide por voluntad propia ser lo que es.

Y que sentencia con una frase que todos debiéramos tatuarnos en nuestro subconsciente psicosocial y humano, “que la identidad de género no resulta de lo que tenemos entre las piernas sino de lo que tenemos entre las orejas”.

Y hablan de la suerte como un factor azaroso que te condena y al que le echas la culpa de todo porque es la única vía de escape que no te compromete a tomar decisiones personales, a decidir que las riendas de tu vida son tuyas aunque las consecuencias de esas decisiones sean dolorosas.

Geniales Almudena Puyo y Juan Blanco. Estupendas en conjunto estas gentes de “Ventrículo veloz” que han sido capaces de nombrar todas esas cosas que la sociedad calla y por hacerlo para ese público tan joven que aún está a tiempo de vivir su vida desde el respeto y la verdad.

Sobresaliente y necesaria.   

Salud y larga vida…

CONTROL FREAK

(FIOT 2019)

28 FESTIVAL INTERNACIONAL OUTONO DE TEATRO CARBALLO

EL HOMBRE CIBERNÉTICO

(A propósito de “Control freak” de Kulu Orr)

SANTIAGO PAZOS

Que yo hubiese preferido ver este espectáculo en un espacio más parecido a una discoteca que a un teatro, de pie y con un gin-tonic en la mano, no quiere decir absolutamente nada más que, como buen sibarita, siempre opto porque las ceremonias a las que asisto se celebren en el espacio más conveniente para mi comodidad y capricho. Claro que en Carballo ese tipo de espacio no existe, ni público ni privado.

Kulu Orr nos muestra, con una simpatía un tanto forzada, algunas de las cosas que se pueden hacer hoy día en el mundo de la música y de la vídeo-performance si tienes a tu disposición la tecnología adecuada.

Lo curioso es que a través de la interactividad y participación del público consigue humanizar toda esa parafernalia de cables, loops stations, vídeos y trajes cibernéticos, consiguiendo trabar un espectáculo de sonido enérgico y deslumbrante. 

Bien. Una primera sesión de OTNI novedosa y atractiva.

Salud y larga vida…